Arcano&Epico
Desmenucemos (pieza por pieza) un disco Arcano & Épico lanzado el 10 de Febrero del año 2025 por el insigne artista "Bardie Brüm", llamado "Arcano Dios Blanco".
01 Apuntes Sobre el Valhalla
La canción destaca por una propuesta sonora bastante oscura y distorsionada, combinando una base instrumental de ritmo lento con una voz grave, alterada por efectos, que recita un discurso en tono poético y sombrío sobre la mitología (mencionando a Valhalla, los dioses nórdicos e ídolos), la moralidad y la naturaleza humana.
Algunos puntos a destacar:
Atmósfera y producción: La producción crea un ambiente denso, misterioso y algo claustrofóbico, muy afín a géneros como el experimental, spoken word o ciertas ramas del post-industrial.
Interpretación vocal: El uso de pitch grave y distorsión le da un toque teatral y siniestro, casi como una narración de monólogo dramático más que un canto melódico.
Lírica: El contenido es reflexivo y provocativo, cuestionando ideas preconcebidas sobre la inocencia, el bien, el mal y el castigo divino.
02 Mjolnir
Esta segunda pieza continúa en una línea estilística muy similar, pero con un enfoque más agresivo y directo:
Tema e iconografía: En esta ocasión se centra en la figura de Thor, su martillo Mjolnir y sus poderes sobre el clima y el trueno. La letra suena casi como una lectura épica o enciclopédica del personaje, pero recitada de forma amenazante.
Voz e interpretación: La voz recurre a guturales y un tono raspado muy cercano al black metal o death metal, gritando nombres como "¡Mjolnir!" y "¡Thor!" para acentuar el dramatismo.
Sonido y ritmo: La base instrumental combina ritmos lentos y pesados con efectos de distorsión y ruido blanco (estática), lo que refuerza esa estética industrial o power electronics.
En conjunto, mantiene un tono oscuro y experimental, sirviendo como una oda sombría y pesada al dios del trueno.
03 El Dios Blanco
Esta pista contrasta drásticamente con las dos anteriores:
Estilo y timbre: Es una pieza puramente instrumental e instrumentalizada con órgano, con un sonido muy brillante y sostenido que recuerda a la música sacra, eclesiástica o de estilo barroco.
Tono y atmósfera: Transmite una sensación melancólica, nostálgica y ceremonial, completamente alejada del ambiente distorsionado y agresivo de los temas anteriores.
Estructura: Sigue una progresión armónica pausada, utilizando acordes largos y sostenidos que le dan un carácter meditativo e introspectivo.
Es un cambio radical de registro, pasando de la potencia industrial/metal a la serenidad de una pieza clásica u orquestal de teclado.
04 Sonata a los Dioses
Esta canción vuelve a romper con la línea anterior, tirando más hacia un funk/groove experimental e industrial bastante peculiar.
Ritmo y bajo: Se apoya en una línea de bajo muy marcada y un ritmo sincopado tipo funk, pero envuelto en una producción distorsionada, ruidosa y "sucia".
Voces y samplers: Incorpora samplers de voz que le dan una sensación caótica, juguetona y un poco desenfrenada.
Texturas y vientos: La mezcla de instrumentos de viento o metales procesados con capas de ruido crea una textura densa y desenfadada, casi como un trip-hop o dub alterado.
Resulta un contraste curioso respecto al tono épico/sombrío de las dos primeras y la solemnidad del órgano de la tercera.
05 Blood Falls
Este tema añade una dimensión totalmente distinta al álbum:
Estilo y ambientación: Es una pieza en inglés mucho más acústica, íntima y cercana al indie folk o singer-songwriter.
Interpretación vocal: A diferencia de las voces distorsionadas, guturales o muestras de audio caóticas de las canciones anteriores, aquí la voz es limpia, expresiva y melódica, apoyada en un fraseo pausado y melancólico.
Instrumentación: Se sostiene sobre una guitarra acústica con un rasgueo constante y cálido, dando espacio a que la melodía vocal sea el centro de la atención.
Dentro de la estructura del álbum, funciona como un momento de calma y vulnerabilidad emocional tras la agresividad y el caos de los temas anteriores.
06 Pasaje Luna Devorada
Este tema retoma el espíritu del primer corte (Apuntes Sobre el Valhalla), pero elevando la tensión dramática a un nivel apocalíptico:
Tono y narrativa: El discurso adopta la forma de una profecía o monólogo del Ragnarök. Recita con desprecio hacia la especie humana y relata la caída de Odín a manos de Fenrir, el fin de los dioses y el consumo de la luna.
Atmósfera e interpretación: La voz grave y distorsionada transmite esa solemnidad oscura, mientras que el fondo musical combina el ritmo lento con intervenciones de guitarra distorsionada y tonos sintetizados que amplifican la sensación de catástrofe e inminencia.
07 Juglares
Esta pista aporta un matiz fascinante porque cruza conceptos que normalmente no verías juntos en un mismo tema:
Instrumentación y tono: Utiliza un acordeón con un arpegio melancólico de fondo, lo que le da un aire casi folclórico, nostálgico o de vals tradicional, en claro contraste con la distorsión de los temas anteriores.
Giro en las letras: La lírica mezcla la mitología nórdica (guerreros, valquirias, Valhalla) con teorías conspirativas o de ciencia ficción ("dioses alienígenas", "planeta fecundado por alienígenas").
Interpretación vocal: La voz grave y poética regresa a la declamación teatratizada, pero sobre una base musical mucho más orgánica y acústica.
Resulta un choque estilístico surrealista y arriesgado dentro del disco, haciendo que el proyecto sea aún más impredecible y ecléctico.
08 Plutonia
¡Menudo giro instrumental para cambiar de etapa en el disco! Esta pista da un salto completo respecto al tono denso o apocalíptico de las anteriores:
Estilo y género: Es un tema de chiptune / música de 8 bits, con un sonido alegre, rítmico y juguetón que evoca directamente la banda sonora de un videojuego clásico de consola retro (tipo NES o Game Boy).
Instrumentación y producción: Carece de voces o textos declamados; se apoya enteramente en sintetizadores programados con timbres de onda cuadrada y de sierra, sobre un ritmo acelerado y un punteo melódico muy marcado.
Función en el álbum: Funciona como una fase de bonificación o un respiro lúdico tras la carga conceptual de temas como Pasaje Luna Devorada o Juglares.
Demuestra de nuevo la libertad creativa del álbum para romper moldes y no encasillarse en una sola estética sonora.
09 A Través de la Juventud
Esta pista regresa a la calma melancólica con un enfoque muy poético y reflexivo:
Estilo e instrumentación: Es una balada intimista impulsada por el arpegio continuo de una guitarra acústica. El tono vocal es pausado y melódico, apoyado en ligeros coros que refuerzan las notas finales de cada verso.
Lírica y temática: Reflexiona sobre la juventud, la curiosidad y el sufrimiento como motor para alcanzar la sabiduría. Reutiliza frases y conceptos planteados en temas anteriores ("este estado de cosas"), pero vistos desde una perspectiva más madura y resignada en lugar de la furia o la profecía apocalíptica.
Contraste en el álbum: Tras el dinamismo del tema en 8 bits, este corte vuelve a asentar el tono emocional y filosófico del proyecto, mostrando otra faceta melódica del artista.
Un momento reflexivo muy bien encajado en la secuencia del disco.
10 Un Viaje en el tiempo
Esta pista introduce un contraste cómico y narrativo brillante dentro del disco:
Estilo e instrumentación: Utiliza una melodía ágil y desenfadada en piano, muy al estilo del ragtime o del jazz clásico de principios del siglo XX, lo que le da un aire divertido, teatral y de comedia.
Lírica y concepto de ciencia ficción: Cuenta la historia de unos viajeros del tiempo utópicos del siglo XXIII que visitan el siglo XX y se quedan horrorizados por lo "primitiva", "vulgar" y "paranoica" que es la sociedad de esa época.
Contraste temático: Frente a la oscuridad o la solemnidad de las pistas anteriores, aquí se recurre a la sátira social ligera para criticar a la humanidad con mucha ironía y dinamismo.
Sigue demostrando que el álbum es un verdadero mosaico de estilos y visiones.
11 Arcano Dios Blanco
Esta pista cambia completamente las reglas del juego de nuevo, adentrándose en el ambient experimental y el terror sonoro:
Estilo y atmósfera: Es una pieza puramente de música ambiental / dark ambient, dominada por un sintetizador de tonos densos y oscuros que crea una sensación constante de inquietud, claustrofobia y suspenso.
Trabajo vocal: Elimina la lírica y las palabras para centrarse en un canto de fondo sostenido e hipnótico (vocalise), que evoca un tono ritual o de lamento cósmico.
Función narrativa: Actúa como un interludio inmersivo y tenebroso, perfecto para sumergir al oyente en una transición oscura dentro de la historia del álbum antes del siguiente arco estilístico.
Es una muestra más de cómo el disco explora géneros completamente dispares sin perder su hilo conceptual.
12 El Ocaso de los Dioses
Esta canción aporta un matiz dramático y melancólico muy potente al álbum:
Estilo e instrumentación: Regresa a la guitarra acústica y al ritmo pausado, pero esta vez acompañados por una voz recitada extremamente grave, gravemente procesada e imponente que le da un carácter épico y sombrío.
Contenido lírico: Explora la caída y el ocaso de las deidades nórdicas (el Ragnarök), reflexionando sobre la fragilidad del destino, la mortalidad de los héroes y el papel del ser humano ante la destrucción divina.
Tono y emoción: Funciona como una elegía o poema de despedida, cargado de épica, fatalismo y reflexión existencial.
Representa una perfecta combinación entre la calidez acústica y la densidad narrativa de las pistas más oscuras del proyecto.
13 Pasaje (En Un Mundo de Ensueño)
Esta pista añade un aire tierno, nostálgico y surrealista muy particular:
Instrumentación y arreglos: Se sostiene sobre una melodía simple de caja de música o carillón, lo que le otorga una textura propia de nana, cuento infantil o sueño inocente.
Tono y lírica: Las letras evocan un mundo de ensueño de la infancia o la fantasía (liebres, tortugas que hablan, naturaleza que acoge), expresando un deseo de no abandonar esa paz. La voz grave y cansada genera un contraste melancólico muy fuerte con la fragilidad de la música.
Giro al final: La frase final ("Gracias, Madre Tierra") cierra la pieza con un tono de gratitud y despedida, dando a entender un momento de reconciliación o descanso tras las tormentas anteriores del disco.
Es un contraste conmovedor entre la inocencia de la música de juguete y la profundidad melancólica de la interpretación vocal.
14 Pasaje de Tranquilidad
Esta pista instrumental vuelve a cambiar radicalmente de tono, aportando una sensación de elegancia clásica y nostalgia:
Estilo e instrumentación: Es un tema puramente instrumental interpretado en piano (o sintetizador de piano), con un dinamismo rítmico alegre pero melancólico, evocando un estilo neoclásico o de banda sonora intimista.
Ambiente y emoción: A diferencia de la oscuridad, la sátira o la potencia épica de otros cortes del álbum, esta pieza se siente reflexiva, límpida y melancólica, como si acompañara los créditos finales de una historia o sirviera de transición introspectiva.
Rol en el proyecto: Demuestra una vez más la versatilidad de la obra, usando la sencillez del piano solo para transmitir emoción sin necesidad de voces o letras.
15 Odin, Sire!
Este tema final cierra la obra con una fuerza emotiva y reflexiva impecable:
Estilo e interpretación: Construido sobre un acompañamiento ágil de guitarra acústica y una interpretación vocal rasgada, nostálgica y profunda, transmite la sensación de un viaje que llega a su fin, equilibrando melancolía y serenidad.
Función de cierre: Actúa como un épico epílogo que recoge todo el recorrido emocional anterior, dejando una estela de reflexión existencial y calma.
Valoración general del álbum
El disco resulta un mosaico conceptual y estilístico fascinante:
Diversidad sonora: Fluye con naturalidad entre dark ambient envolvente, sátira estilo ragtime, elegías épicas nórdicas, nanas con cajas de música e instrumentales neoclásicos al piano.
Coherencia temática: A pesar de los marcados giros estilísticos, mantiene un hilo conductor sólido basado en la exploración de lo humano, la mitología, el tiempo y la reflexión existencial.
Contraste y dinamismo: La alternancia entre pasajes oscuros o tensos y momentos cómicos o serenos evita la monotonía y mantiene un tono narrativo atrapante de principio a fin.
Una obra arriesgada, experimental y sumamente rica en matices.
La canción destaca por una propuesta sonora bastante oscura y distorsionada, combinando una base instrumental de ritmo lento con una voz grave, alterada por efectos, que recita un discurso en tono poético y sombrío sobre la mitología (mencionando a Valhalla, los dioses nórdicos e ídolos), la moralidad y la naturaleza humana.
Algunos puntos a destacar:
Atmósfera y producción: La producción crea un ambiente denso, misterioso y algo claustrofóbico, muy afín a géneros como el experimental, spoken word o ciertas ramas del post-industrial.
Interpretación vocal: El uso de pitch grave y distorsión le da un toque teatral y siniestro, casi como una narración de monólogo dramático más que un canto melódico.
Lírica: El contenido es reflexivo y provocativo, cuestionando ideas preconcebidas sobre la inocencia, el bien, el mal y el castigo divino.
02 Mjolnir
Esta segunda pieza continúa en una línea estilística muy similar, pero con un enfoque más agresivo y directo:
Tema e iconografía: En esta ocasión se centra en la figura de Thor, su martillo Mjolnir y sus poderes sobre el clima y el trueno. La letra suena casi como una lectura épica o enciclopédica del personaje, pero recitada de forma amenazante.
Voz e interpretación: La voz recurre a guturales y un tono raspado muy cercano al black metal o death metal, gritando nombres como "¡Mjolnir!" y "¡Thor!" para acentuar el dramatismo.
Sonido y ritmo: La base instrumental combina ritmos lentos y pesados con efectos de distorsión y ruido blanco (estática), lo que refuerza esa estética industrial o power electronics.
En conjunto, mantiene un tono oscuro y experimental, sirviendo como una oda sombría y pesada al dios del trueno.
03 El Dios Blanco
Esta pista contrasta drásticamente con las dos anteriores:
Estilo y timbre: Es una pieza puramente instrumental e instrumentalizada con órgano, con un sonido muy brillante y sostenido que recuerda a la música sacra, eclesiástica o de estilo barroco.
Tono y atmósfera: Transmite una sensación melancólica, nostálgica y ceremonial, completamente alejada del ambiente distorsionado y agresivo de los temas anteriores.
Estructura: Sigue una progresión armónica pausada, utilizando acordes largos y sostenidos que le dan un carácter meditativo e introspectivo.
Es un cambio radical de registro, pasando de la potencia industrial/metal a la serenidad de una pieza clásica u orquestal de teclado.
04 Sonata a los Dioses
Esta canción vuelve a romper con la línea anterior, tirando más hacia un funk/groove experimental e industrial bastante peculiar.
Ritmo y bajo: Se apoya en una línea de bajo muy marcada y un ritmo sincopado tipo funk, pero envuelto en una producción distorsionada, ruidosa y "sucia".
Voces y samplers: Incorpora samplers de voz que le dan una sensación caótica, juguetona y un poco desenfrenada.
Texturas y vientos: La mezcla de instrumentos de viento o metales procesados con capas de ruido crea una textura densa y desenfadada, casi como un trip-hop o dub alterado.
Resulta un contraste curioso respecto al tono épico/sombrío de las dos primeras y la solemnidad del órgano de la tercera.
05 Blood Falls
Este tema añade una dimensión totalmente distinta al álbum:
Estilo y ambientación: Es una pieza en inglés mucho más acústica, íntima y cercana al indie folk o singer-songwriter.
Interpretación vocal: A diferencia de las voces distorsionadas, guturales o muestras de audio caóticas de las canciones anteriores, aquí la voz es limpia, expresiva y melódica, apoyada en un fraseo pausado y melancólico.
Instrumentación: Se sostiene sobre una guitarra acústica con un rasgueo constante y cálido, dando espacio a que la melodía vocal sea el centro de la atención.
Dentro de la estructura del álbum, funciona como un momento de calma y vulnerabilidad emocional tras la agresividad y el caos de los temas anteriores.
06 Pasaje Luna Devorada
Este tema retoma el espíritu del primer corte (Apuntes Sobre el Valhalla), pero elevando la tensión dramática a un nivel apocalíptico:
Tono y narrativa: El discurso adopta la forma de una profecía o monólogo del Ragnarök. Recita con desprecio hacia la especie humana y relata la caída de Odín a manos de Fenrir, el fin de los dioses y el consumo de la luna.
Atmósfera e interpretación: La voz grave y distorsionada transmite esa solemnidad oscura, mientras que el fondo musical combina el ritmo lento con intervenciones de guitarra distorsionada y tonos sintetizados que amplifican la sensación de catástrofe e inminencia.
07 Juglares
Esta pista aporta un matiz fascinante porque cruza conceptos que normalmente no verías juntos en un mismo tema:
Instrumentación y tono: Utiliza un acordeón con un arpegio melancólico de fondo, lo que le da un aire casi folclórico, nostálgico o de vals tradicional, en claro contraste con la distorsión de los temas anteriores.
Giro en las letras: La lírica mezcla la mitología nórdica (guerreros, valquirias, Valhalla) con teorías conspirativas o de ciencia ficción ("dioses alienígenas", "planeta fecundado por alienígenas").
Interpretación vocal: La voz grave y poética regresa a la declamación teatratizada, pero sobre una base musical mucho más orgánica y acústica.
Resulta un choque estilístico surrealista y arriesgado dentro del disco, haciendo que el proyecto sea aún más impredecible y ecléctico.
08 Plutonia
¡Menudo giro instrumental para cambiar de etapa en el disco! Esta pista da un salto completo respecto al tono denso o apocalíptico de las anteriores:
Estilo y género: Es un tema de chiptune / música de 8 bits, con un sonido alegre, rítmico y juguetón que evoca directamente la banda sonora de un videojuego clásico de consola retro (tipo NES o Game Boy).
Instrumentación y producción: Carece de voces o textos declamados; se apoya enteramente en sintetizadores programados con timbres de onda cuadrada y de sierra, sobre un ritmo acelerado y un punteo melódico muy marcado.
Función en el álbum: Funciona como una fase de bonificación o un respiro lúdico tras la carga conceptual de temas como Pasaje Luna Devorada o Juglares.
Demuestra de nuevo la libertad creativa del álbum para romper moldes y no encasillarse en una sola estética sonora.
09 A Través de la Juventud
Esta pista regresa a la calma melancólica con un enfoque muy poético y reflexivo:
Estilo e instrumentación: Es una balada intimista impulsada por el arpegio continuo de una guitarra acústica. El tono vocal es pausado y melódico, apoyado en ligeros coros que refuerzan las notas finales de cada verso.
Lírica y temática: Reflexiona sobre la juventud, la curiosidad y el sufrimiento como motor para alcanzar la sabiduría. Reutiliza frases y conceptos planteados en temas anteriores ("este estado de cosas"), pero vistos desde una perspectiva más madura y resignada en lugar de la furia o la profecía apocalíptica.
Contraste en el álbum: Tras el dinamismo del tema en 8 bits, este corte vuelve a asentar el tono emocional y filosófico del proyecto, mostrando otra faceta melódica del artista.
Un momento reflexivo muy bien encajado en la secuencia del disco.
10 Un Viaje en el tiempo
Esta pista introduce un contraste cómico y narrativo brillante dentro del disco:
Estilo e instrumentación: Utiliza una melodía ágil y desenfadada en piano, muy al estilo del ragtime o del jazz clásico de principios del siglo XX, lo que le da un aire divertido, teatral y de comedia.
Lírica y concepto de ciencia ficción: Cuenta la historia de unos viajeros del tiempo utópicos del siglo XXIII que visitan el siglo XX y se quedan horrorizados por lo "primitiva", "vulgar" y "paranoica" que es la sociedad de esa época.
Contraste temático: Frente a la oscuridad o la solemnidad de las pistas anteriores, aquí se recurre a la sátira social ligera para criticar a la humanidad con mucha ironía y dinamismo.
Sigue demostrando que el álbum es un verdadero mosaico de estilos y visiones.
11 Arcano Dios Blanco
Esta pista cambia completamente las reglas del juego de nuevo, adentrándose en el ambient experimental y el terror sonoro:
Estilo y atmósfera: Es una pieza puramente de música ambiental / dark ambient, dominada por un sintetizador de tonos densos y oscuros que crea una sensación constante de inquietud, claustrofobia y suspenso.
Trabajo vocal: Elimina la lírica y las palabras para centrarse en un canto de fondo sostenido e hipnótico (vocalise), que evoca un tono ritual o de lamento cósmico.
Función narrativa: Actúa como un interludio inmersivo y tenebroso, perfecto para sumergir al oyente en una transición oscura dentro de la historia del álbum antes del siguiente arco estilístico.
Es una muestra más de cómo el disco explora géneros completamente dispares sin perder su hilo conceptual.
12 El Ocaso de los Dioses
Esta canción aporta un matiz dramático y melancólico muy potente al álbum:
Estilo e instrumentación: Regresa a la guitarra acústica y al ritmo pausado, pero esta vez acompañados por una voz recitada extremamente grave, gravemente procesada e imponente que le da un carácter épico y sombrío.
Contenido lírico: Explora la caída y el ocaso de las deidades nórdicas (el Ragnarök), reflexionando sobre la fragilidad del destino, la mortalidad de los héroes y el papel del ser humano ante la destrucción divina.
Tono y emoción: Funciona como una elegía o poema de despedida, cargado de épica, fatalismo y reflexión existencial.
Representa una perfecta combinación entre la calidez acústica y la densidad narrativa de las pistas más oscuras del proyecto.
13 Pasaje (En Un Mundo de Ensueño)
Esta pista añade un aire tierno, nostálgico y surrealista muy particular:
Instrumentación y arreglos: Se sostiene sobre una melodía simple de caja de música o carillón, lo que le otorga una textura propia de nana, cuento infantil o sueño inocente.
Tono y lírica: Las letras evocan un mundo de ensueño de la infancia o la fantasía (liebres, tortugas que hablan, naturaleza que acoge), expresando un deseo de no abandonar esa paz. La voz grave y cansada genera un contraste melancólico muy fuerte con la fragilidad de la música.
Giro al final: La frase final ("Gracias, Madre Tierra") cierra la pieza con un tono de gratitud y despedida, dando a entender un momento de reconciliación o descanso tras las tormentas anteriores del disco.
Es un contraste conmovedor entre la inocencia de la música de juguete y la profundidad melancólica de la interpretación vocal.
14 Pasaje de Tranquilidad
Esta pista instrumental vuelve a cambiar radicalmente de tono, aportando una sensación de elegancia clásica y nostalgia:
Estilo e instrumentación: Es un tema puramente instrumental interpretado en piano (o sintetizador de piano), con un dinamismo rítmico alegre pero melancólico, evocando un estilo neoclásico o de banda sonora intimista.
Ambiente y emoción: A diferencia de la oscuridad, la sátira o la potencia épica de otros cortes del álbum, esta pieza se siente reflexiva, límpida y melancólica, como si acompañara los créditos finales de una historia o sirviera de transición introspectiva.
Rol en el proyecto: Demuestra una vez más la versatilidad de la obra, usando la sencillez del piano solo para transmitir emoción sin necesidad de voces o letras.
15 Odin, Sire!
Este tema final cierra la obra con una fuerza emotiva y reflexiva impecable:
Estilo e interpretación: Construido sobre un acompañamiento ágil de guitarra acústica y una interpretación vocal rasgada, nostálgica y profunda, transmite la sensación de un viaje que llega a su fin, equilibrando melancolía y serenidad.
Función de cierre: Actúa como un épico epílogo que recoge todo el recorrido emocional anterior, dejando una estela de reflexión existencial y calma.
Valoración general del álbum
El disco resulta un mosaico conceptual y estilístico fascinante:
Diversidad sonora: Fluye con naturalidad entre dark ambient envolvente, sátira estilo ragtime, elegías épicas nórdicas, nanas con cajas de música e instrumentales neoclásicos al piano.
Coherencia temática: A pesar de los marcados giros estilísticos, mantiene un hilo conductor sólido basado en la exploración de lo humano, la mitología, el tiempo y la reflexión existencial.
Contraste y dinamismo: La alternancia entre pasajes oscuros o tensos y momentos cómicos o serenos evita la monotonía y mantiene un tono narrativo atrapante de principio a fin.
Una obra arriesgada, experimental y sumamente rica en matices.
Plutonia es donde fue Sonic a resolver unos problemas.
ResponderEliminarDios blanco vino despues del Dios negro, que hizo a los negro con penes enormes siempre grandes, pero perdian el tiempo haciendolo sin avanzar, el dios blanco lo vio y hizo a sus juguetes con penes que una vez satisfechos se encogian por lo que la mayor parte del dia podia trabajar, estudiar, inventar ... la raza blanca avanzó increiblemente en tecnologia, medicina, armas de guerra etc la negra sigue en su tribu satisfaciendo sus instintos, pero hoy dia muchas blancas lo dejarian todo por esos placeres basicos.